Em tempos em que a tecnologia reconfigura até os alicerces da criação artística, um estúdio alemão acaba de soltar um sinal de alerta — e de inspiração — para o universo audiovisual. O coletivo criativo Dor Brothers, sediado na Alemanha, divulgou um curta-metragem de ficção científica com poucos minutos de duração que, segundo os próprios criadores, reproduz estética e escala dignas de um blockbuster de US$ 200 milhões… produzido em apenas um dia e com 100% de inteligência artificial.

We just made a $200,000,000 AI movie in just one day.

Yes, this is 100% AI. pic.twitter.com/TMotM7rguY

— The Dor Brothers (@thedorbrothers) February 16, 2026

A obra, que se espalha pela internet como um experimento técnico mais do que um produto narrativo tradicional, mistura cenários de destruição urbana, explosões e movimentos de câmera grandiosos que evocam sequências dignas de Hollywood. Mas o mais chocante não é apenas o visual: é o fluxo de produção. Sem câmeras, atores, sets físicos nem equipes técnicas convencionais, o filme foi gerado com ferramentas de IA — do conceito à composição final — em aproximadamente 24 horas.

A própria cifra de “US$ 200 milhões” funciona mais como comparativo simbólico de valor de produção do que como orçamento real. A ideia é demonstrar que algoritmos de geração de imagens, movimento e montagem já conseguem cantar na mesma tonalidade visual que grandes estúdios, acelerando uma conversa que há tempos deixava de ser ficção científica.

Nas redes sociais e plataformas de vídeo, o experimento — e experiências similares — provocam reações polarizadas: há quem clame que “isso não é cena de Hollywood; é IA em perfeito sincronismo de rosto, voz e emoção”, enquanto críticos apontam que, apesar da estética convincente, a narrativa e a profundidade emocional ainda ficam aquém do cinema tradicional.

Para o cenário musical, o impacto pode ser ainda mais profundo. Ferramentas generativas já replicam timbres, vozes, harmonias e até performances completas de artistas. Agora, transpose isso para filmes inteiros: a questão deixa de ser “o que a IA pode fazer” para se tornar “o que a arte humana vai escolher preservar”. Seja como provocação, inspiração ou avanço disruptivo, esse curta-boom de IA sinaliza que as fronteiras entre criação humana e artificial — seja na trilha sonora, seja no fotograma — estão em plena redefinição.

Fonte: The Times of India

Nova Delhi viverá hoje uma daquelas noites que marcam virada de era. Mas, em vez de guitarras, holofotes e amplificadores, o espetáculo virá dos algoritmos. A capital indiana sediará, neste 17 de fevereiro de 2026, o primeiro India AI Film Festival, evento que colocará a inteligência artificial no centro do palco audiovisual.

O cenário não poderia ser mais simbólico: o histórico complexo do Qutub Minar, patrimônio mundial da UNESCO, servirá de tela e moldura para uma mostra dedicada à nova geração de filmes criados ou impulsionados por IA. A proposta é clara — fundir arte, tecnologia e narrativa num ambiente que mistura festival, laboratório criativo e vitrine de tendências.

O festival integrará a programação da India AI Impact Summit 2026, encontro que reunirá líderes globais de tecnologia, executivos da indústria criativa e especialistas em inovação. Entre debates sobre futuro, ética e mercado, o cinema assumirá o papel de protagonista cultural do evento.

Organizado pela plataforma Invideo, com patrocínio da Nvidia, o AI Film Festival exibirá produções desenvolvidas com ferramentas de inteligência artificial, abrindo espaço para discussões sobre novas linguagens visuais, processos criativos híbridos e o papel do humano na era dos modelos generativos.

A programação também deverá destacar painéis e conversas sobre os impactos da IA no cinema, passando por temas como autoria, estética algorítmica, automação de produção e os limites criativos das máquinas. A expectativa é de um público formado por cineastas, criadores digitais, pesquisadores e entusiastas da tecnologia.

Mais do que uma mostra de filmes, o evento se posicionará como um termômetro do que já começa a redefinir a indústria audiovisual. A pergunta que pairará sobre as sessões é inevitável: quando a máquina participa da criação, quem assina a emoção?

Nova Delhi dará hoje sua resposta — projetada em pixels, dados e imaginação computacional.

Fonte: The Times Of India

O nome Orson Welles já carregava em sua própria sonoridade a promessa de uma epopeia cinematográfica. Mas, assim como na música — quando um clássico é reeditado pelos algoritmos do mainstream e acaba esvaziado de alma — a mais recente tentativa de “restaurar” um dos maiores filmes perdidos de Welles está incendiando um debate que cruza estética, ética e tecnologia.

O filme em questão é The Magnificent Ambersons (1942), obra-prima parcial que surgiu no rastro do monumental Cidadão Kane. Originalmente concebido como um retrato brutal e lírico da decadência de uma família abastada no coração dos Estados Unidos, a película teve quarenta e três minutos de material cortados pela RKO Studios e substituídos por um final açucarado, num dos episódios mais infames de censura corporativa na história de Hollywood. As cenas descartadas foram posteriormente destruídas — um verdadeiro “deleção total” que virou lenda entre cinéfilos.

Agora, quase 84 anos depois, o empresário Edward Saatchi — fundador da startup de IA Fable Studio e apoiado por backing da Amazon — está tentando recuperar o que foi perdido. Utilizando inteligência artificial generativa e uma plataforma chamada Showrunner, a equipe pretende reconstruir as cenas desaparecidas usando roteiros originais, fotografias de produção e vozes digitalizadas dos próprios atores originais. É como se um engenheiro musical tentasse reeditar as fitas originais de um álbum histórico que foi censurado pela gravadora — só que usamos aprendizado de máquina em vez de fita magnética.

A ideia é tão ambiciosa quanto provocadora: atores vivos gravam cenas em estúdio, e depois seus rostos e vozes são substituídos por versões digitais de estrelas que morreram há décadas. Na contramão de muitas iniciativas de IA que “tolhem” o espírito autoral, Saatchi afirma que sua visão é “direcionar a tecnologia para o que poderia ser o auge perdido de Welles”, um gesto de reparo histórico mais do que um espetacular show de efeitos.

Só que nem todos concordam com esse tom messiânico. A família de Welles — especialmente sua filha Beatrice — deixou claro que o projeto até agora seguiu sem a bênção formal do espólio e sem os direitos exigidos pelos detentores originais da obra. E críticas já pipocam nos bastidores: será que recriar um clássico com algoritmos é reescrever a história ou profanar um artefato sagrado? Alguns tradicionais entusiastas do cinema temem que a iniciativa — apesar de respeitosa nas intenções — sinalize um precedente perigoso, abrindo portas para intervenções cada vez mais ousadas em obras que deveriam ser intocáveis.

A discussão ecoa debates análogos na música — como a remixagem póstuma de gravações, ou relançamentos com overdubs feitos por produtores que nunca conheceram o artista original — e nos obriga a confrontar uma pergunta difícil: a tecnologia pode realmente “consertar” um passado mutilado ou está apenas criando uma versão alternativa, um “deepfake cultural” que compete com o original?

No fim das contas, o processo em si pode se tornar tão provocativo quanto a obra que tenta resgatar: uma mistura de fascínio, controvérsia e reverência artística que desafia tanto amantes do cinema clássico quanto críticos de tecnologia.

Fonte: The New Yorker