Música
Banda Nami: autoria humana, desejo em 125 Hz e uma viagem pioneira pela música gerada por inteligência artificial
A Banda Nami é um projeto musical brasileiro de autoria humana criado com o apoio da inteligência artificial. Idealizada pelo compositor, produtor e diretor artístico Silnei L. Andrade, a banda combina letras autorais, personagens virtuais, música generativa e videoclipes produzidos integralmente com ferramentas de IA.
Criada em março de 2025, a Banda Nami está entre os primeiros projetos da nova geração da música generativa a lançar um EP autoral nas plataformas de streaming e desenvolver uma identidade audiovisual completa. O trabalho de estreia, Viagem à Lua, chegou às lojas digitais em 23 de abril de 2025.
Mais do que uma experiência tecnológica, a Banda Nami defende um princípio central: a inteligência artificial pode ampliar a capacidade de criação sem eliminar a autoria humana. As letras, os conceitos, as narrativas, a curadoria e a direção artística são de Silnei L. Andrade. A IA foi utilizada como ferramenta para transformar essas decisões em vozes, instrumentos, arranjos, imagens e movimentos.
Quem é a Banda Nami?
A Banda Nami é uma banda virtual brasileira criada pelo compositor e produtor Silnei L. Andrade com ferramentas de inteligência artificial. O projeto lançou em abril de 2025 o EP Viagem à Lua, com letras humanas autorais, produção musical generativa, personagens virtuais e videoclipes realizados com IA.
Como surgiu a Banda Nami
A primeira música da Banda Nami foi criada em 28 de março de 2025, utilizando a plataforma de inteligência artificial musical Suno.
Poucos dias depois, em 8 de abril de 2025, a banda publicou seu primeiro videoclipe e começou a construir sua presença oficial no YouTube.
Em 23 de abril de 2025, o EP de estreia, “Viagem à Lua”, chegou às lojas digitais e plataformas de streaming.
A sequência de lançamentos coloca a Nami entre os primeiros projetos da nova geração da música com IA a surgir já com uma estrutura semelhante à de uma banda contemporânea:
- nome e identidade próprios;
- repertório conectado por um mesmo conceito;
- letras humanas autorais;
- direção musical;
- personagens virtuais;
- EP distribuído comercialmente;
- canal oficial no YouTube;
- e videoclipe criado integralmente com inteligência artificial.
A Nami não foi concebida como uma coleção de faixas aleatórias geradas por comandos isolados. Desde o início, nasceu como um projeto artístico completo.
Por que a Banda Nami é uma das pioneiras da música com IA
Experimentos envolvendo música e inteligência artificial existiam muito antes de 2025. Pesquisadores, programadores e artistas já utilizavam algoritmos, redes neurais, sistemas generativos e personagens virtuais em diferentes tipos de produção musical.
Por isso, não seria historicamente correto afirmar que a Nami foi a primeira experiência musical do planeta envolvendo IA.
Seu pioneirismo está em uma combinação mais específica.
A Nami pertence à primeira geração de bandas criadas com plataformas modernas de IA generativa de texto para música, capazes de transformar instruções, letras e direções estilísticas humanas em canções completas.
Quando Viagem à Lua foi lançado, em abril de 2025, a explosão internacional das bandas artificiais nas plataformas de streaming ainda não havia alcançado sua maior repercussão.
Não existe um arquivo internacional que registre cronologicamente todos os projetos criados com ferramentas como Suno e Udio. Portanto, a formulação editorial mais precisa e defensável é:
A Banda Nami foi uma das primeiras bandas de IA do mundo a lançar um EP autoral nas plataformas de streaming e a desenvolver uma identidade audiovisual completa, incluindo um videoclipe produzido 100% com inteligência artificial.
Mais importante do que disputar uma placa de primeiro lugar é compreender o que tornou o projeto diferente.
A Nami utilizou a inteligência artificial para construir uma obra com conceito, narrativa, autoria e identidade.
A IA como ferramenta de autoria humana
O debate sobre música generativa frequentemente apresenta uma falsa oposição: ou a música seria humana, ou teria sido criada por inteligência artificial.
A experiência da Nami demonstra que essa relação pode ser mais complexa.
Todas as letras do EP Viagem à Lua foram compostas por Silnei L.. O produtor também definiu os assuntos, as estruturas, as referências estilísticas, o universo narrativo e a direção visual da banda.
A plataforma generativa foi empregada para interpretar essas decisões e transformá-las em vozes, instrumentos e arranjos.
Esse processo não significa que a ferramenta seja a autora da obra.
Um sintetizador não se torna compositor por produzir um timbre. Uma câmera não se torna diretora ao registrar uma cena. Um programa de edição não é o autor de um filme apenas porque foi utilizado na montagem.
Da mesma forma, a IA generativa pode participar da materialização de uma obra sem eliminar a autoria de quem escreveu, dirigiu, selecionou, reorganizou e aprovou o resultado final.
Na Nami, a tecnologia não substitui a intenção.
Ela amplia a capacidade de realizá-la.
“Viagem à Lua”: desejo, tecnologia e romantismo digital
O EP Viagem à Lua possui um universo próprio.
Suas músicas atravessam temas como amor, desejo, encontros digitais, memória, cidades, tecnologia, espaço e tempo.
A sonoridade mistura referências de synthpop, indie eletrônico, post-punk, MPB, nu electro e French Touch. As faixas não foram pensadas para copiar integralmente um artista ou gênero específico, mas para construir uma personalidade reconhecível para a banda.
O repertório transforma a vida contemporânea em uma espécie de ficção científica emocional.
Aplicativos de relacionamento convivem com estrelas. Ruas brasileiras se encontram com nebulosas. O amor atravessa telas, algoritmos, distâncias e universos.
Essa unidade diferencia Viagem à Lua de uma simples sequência de músicas geradas automaticamente.
Existe um autor escolhendo o que deseja comunicar.
Existe uma obra organizando essas escolhas.
O desejo como frequência criativa
Um dos elementos conceituais utilizados na criação do EP foi o número 125, associado ao desejo no chamado Mapa da Consciência, desenvolvido pelo psiquiatra e escritor espiritual David R. Hawkins.
Hawkins organizou estados emocionais e espirituais em uma escala logarítmica que vai de 1 a 1.000. Nesse sistema, o desejo ocupa o nível 125, abaixo da raiva, situada em 150, e acima do medo, localizado em 100. O próprio material oficial do autor descreve os números como níveis de calibração de uma progressão logarítmica, e não como frequências sonoras medidas em hertz.
Na leitura de Hawkins, o desejo representa a atração por algo externo: vontade, ambição, busca, prazer, apego, sedução e necessidade de possuir ou alcançar alguma coisa.
É uma energia capaz de movimentar a pessoa, embora também possa aprisioná-la na insatisfação permanente.
A Nami transformou esse conceito espiritual em uma experiência sonora.
Durante a produção das músicas na Suno, Silnei L. utilizou referências a 125 Hz, convertendo artisticamente o nível 125 do Mapa da Consciência em uma frequência presente na direção musical do projeto.
Assim, é necessário distinguir duas coisas:
125, na obra de Hawkins, é o nível simbólico associado ao desejo em sua escala espiritual.
125 Hz, na produção da Nami, é a interpretação sonora criada pelo produtor a partir desse conceito.
A relação entre os dois não é uma equivalência estabelecida pela física, pela neurociência ou pela psicologia. Trata-se de uma escolha artística e conceitual.
O número foi transformado em frequência para dar ao álbum uma assinatura ligada ao desejo.
O que representa uma frequência de 125 Hz
Na acústica, hertz é uma unidade física utilizada para indicar quantas oscilações ocorrem por segundo.
Uma frequência de 125 Hz pertence à região grave do espectro sonoro. Ela pode ser percebida como corpo, pulsação, densidade e presença, dependendo da instrumentação, da mixagem e do equipamento utilizado para reproduzir a música.
Na Nami, essa região sonora foi explorada simbolicamente como o lugar do desejo.
Não apenas o desejo romântico ou sexual, mas também o desejo de alcançar alguém, atravessar uma distância, recuperar uma memória, viver novamente uma experiência ou escapar das limitações do mundo físico.
O desejo movimenta praticamente todas as canções de Viagem à Lua.
Há o desejo de encontrar.
O desejo de ser visto.
O desejo de voltar.
O desejo de permanecer.
O desejo de atravessar o espaço e o tempo para alcançar outra pessoa.
Os 125 Hz passaram, portanto, a funcionar como uma espécie de código invisível do álbum.
Uma referência espiritual, não uma medição científica
O Mapa da Consciência de David Hawkins é amplamente utilizado em círculos de espiritualidade, desenvolvimento pessoal e terapias integrativas.
O próprio sistema é apresentado por seus responsáveis como uma classificação de campos de energia e níveis de consciência, baseada em uma escala logarítmica de 1 a 1.000.
Entretanto, seus níveis não devem ser tratados como medições científicas de emoções em hertz.
Não existe consenso científico de que sentimentos como desejo, amor, medo ou vergonha possuam frequências acústicas fixas que possam ser medidas da mesma forma que uma nota musical ou uma onda sonora.
No universo da Banda Nami, a escala de Hawkins funciona como referência filosófica, espiritual e poética.
A arte não precisa transformar uma metáfora em lei científica para extrair significado dela.
Pode utilizar símbolos, números, mitologias e sistemas espirituais para criar novas experiências.
Foi o que aconteceu com os 125 Hz de Viagem à Lua.
Um álbum movido pelo desejo
A escolha do desejo como eixo simbólico combina diretamente com as letras do EP.
Em “Deu Match”, o desejo nasce dentro da linguagem dos aplicativos e tenta atravessar a tela para se transformar em encontro.
Em “Espaço-Tempo”, o sentimento assume dimensões cósmicas. O desejo procura romper as barreiras da distância e transformar o universo em espaço íntimo.
Em “Outra Vez”, desejo e conflito aparecem juntos. A relação ameaça terminar, mas os personagens continuam atraídos para o mesmo ponto.
Em “Particularmente”, a vontade de alcançar outra pessoa atravessa ruas, cidades e paisagens afetivas.
Em “Via Láctea”, o desejo deixa de ser apenas carência e se torna movimento em direção ao outro.
Até as faixas mais sombrias carregam essa força.
O desejo é o combustível da viagem.
O primeiro videoclipe da Banda Nami
Em 8 de abril de 2025, a Banda Nami lançou o videoclipe de “Particularmente”, produzido inteiramente com ferramentas de inteligência artificial.
Personagens, cenários, movimentos e atmosferas foram construídos digitalmente sob direção humana.
O videoclipe mistura romance, cidade, sonho e ficção científica. Ele apresentou visualmente uma banda que não existe fisicamente da forma tradicional, mas possui identidade, história e linguagem próprias.
A IA gerou os elementos visuais.
A direção humana determinou quais imagens seriam utilizadas, quais seriam descartadas, em que ordem apareceriam e que sentimentos deveriam transmitir.
Por isso, dizer que o videoclipe foi produzido 100% com IA não significa dizer que nasceu sem autoria.
A ferramenta criou os materiais.
O autor construiu a obra.
Uma nova maneira de formar uma banda
Durante décadas, formar uma banda exigia reunir músicos, instrumentos, estúdio, produtores, técnicos, gravadora, equipe visual e canais de distribuição.
A inteligência artificial generativa não elimina a importância desses profissionais. Também não substitui a experiência humana de tocar, ensaiar e criar coletivamente.
Ela abre, porém, uma nova possibilidade.
Uma pessoa com repertório, ideias e capacidade de direção pode escrever letras, experimentar arranjos, criar vozes, desenvolver personagens e produzir um universo audiovisual que antes exigiria uma grande estrutura financeira.
Isso democratiza os meios de produção.
Pessoas que sempre tiveram histórias para contar, mas não possuíam acesso a estúdios, músicos ou equipes profissionais, passam a ter ferramentas para transformar essas ideias em obras.
Esse é um dos princípios centrais da Nami:
A inteligência artificial não precisa apagar a autoria humana. Ela pode permitir que mais autores finalmente consigam realizar aquilo que imaginam.
Contra a produção automática sem identidade
A facilidade de gerar música também criou um problema: a publicação em massa de faixas sem conceito, curadoria ou intenção artística.
A Nami propõe o caminho contrário.
O projeto não foi criado para inundar plataformas com milhares de músicas aleatórias.
As faixas foram selecionadas, conectadas e organizadas para formar um EP.
Há um conceito central.
Há recorrência temática.
Há identidade visual.
Há direção humana.
A diferença não está apenas na ferramenta utilizada, mas na existência de uma visão artística por trás dela.
Apertar um botão pode gerar um arquivo sonoro.
Construir uma obra exige intenção, escolha e responsabilidade.
Transparência desde o início
A Nami nunca tentou esconder o uso de inteligência artificial.
A tecnologia faz parte do conceito da banda, de sua estética e de sua apresentação pública.
Essa transparência é essencial em um momento no qual o mercado musical discute como identificar conteúdos integralmente gerados por IA e como diferenciar esses materiais de obras humanas que receberam assistência tecnológica.
Reconhecer o uso da ferramenta não significa apagar o autor.
Ao contrário: permite compreender melhor onde está a participação humana.
No caso da Nami, ela está nas letras, nos conceitos, nas decisões, na curadoria e na direção do projeto.
O futuro não precisa ser humano contra máquina
A história da música sempre foi atravessada por novas tecnologias.
A guitarra elétrica, os sintetizadores, os samplers, as baterias eletrônicas, os computadores e os programas de correção vocal já foram vistos como ameaças à música.
Com o tempo, tornaram-se instrumentos incorporados à criação contemporânea.
A inteligência artificial representa uma mudança ainda mais profunda, porque consegue gerar elementos que anteriormente dependiam diretamente da execução humana.
Ainda assim, a pergunta fundamental permanece:
Existe uma visão humana orientando a obra?
Na Banda Nami, existe.
A inteligência artificial não decidiu espontaneamente formar uma banda chamada Nami.
Não escolheu sozinha escrever sobre desejo, aplicativos, memória, cidades ou espaço-tempo.
Não transformou por conta própria o nível 125 de uma escala espiritual em uma experiência sonora de 125 Hz.
Essas decisões partiram de um autor.
Banda Nami e o início da música generativa brasileira
A primeira música da Banda Nami foi criada em 28 de março de 2025.
Seu primeiro videoclipe foi lançado em 8 de abril de 2025.
O EP Viagem à Lua chegou às plataformas de streaming em 23 de abril de 2025.
A cronologia posiciona a Nami entre as primeiras bandas da era da IA generativa a lançar uma obra autoral completa, distribuí-la comercialmente e apresentar uma identidade audiovisual produzida com a mesma tecnologia.
O pioneirismo do projeto não está apenas em utilizar inteligência artificial.
Está em defender uma forma de criação na qual a ferramenta permanece subordinada à visão humana.
Viagem à Lua é um álbum sobre amor, tecnologia e deslocamento.
Também é um álbum sobre desejo.
O desejo classificado simbolicamente no nível 125 por David Hawkins foi transformado pela Nami em 125 Hz: uma pulsação grave, conceitual e emocional que atravessa o trabalho.
A inteligência artificial forneceu novas possibilidades.
Mas foi o desejo humano que colocou a banda em movimento.
Ficha técnica
Projeto: Banda Nami
EP: Viagem à Lua
Primeira música criada: 28 de março de 2025
Primeiro videoclipe: 8 de abril de 2025
Lançamento do EP: 23 de abril de 2025
Letras: Silnei L.
Produção e direção artística: Silnei L.
Plataforma principal de geração musical: Suno
Produção visual: ferramentas de inteligência artificial generativa
Referência conceitual: nível 125 — desejo — do Mapa da Consciência de David R. Hawkins
Interpretação sonora do conceito: 125 Hz
Gêneros: synthpop, indie eletrônico, post-punk, MPB, nu electro e French Touch
Conceito central: autoria humana potencializada por inteligência artificial
Perguntas frequentes sobre a Banda Nami
O que é a Banda Nami?
A Banda Nami é um projeto musical brasileiro de autoria humana que utiliza inteligência artificial na criação de vozes, instrumentos, arranjos, personagens e videoclipes. As letras, os conceitos e a direção artística são do compositor e produtor Silnei L. Andrade.
Quem criou a Banda Nami?
A Banda Nami foi criada pelo compositor, produtor e diretor artístico brasileiro Silnei L. Andrade. A primeira música do projeto foi produzida em 28 de março de 2025.
A Banda Nami é totalmente criada por inteligência artificial?
A inteligência artificial é utilizada como ferramenta de produção musical e visual. Entretanto, as letras, os temas, os conceitos, a seleção dos resultados, a montagem e a direção artística são humanos.
Qual é o primeiro EP da Banda Nami?
O primeiro EP da Banda Nami se chama Viagem à Lua. O trabalho chegou às plataformas de streaming em 23 de abril de 2025 e reúne influências de synthpop, indie eletrônico, post-punk, MPB, nu electro e French Touch.
Onde ouvir a Banda Nami?
As músicas da Banda Nami podem ser encontradas nas principais plataformas de streaming. O projeto também possui canal oficial no YouTube, páginas de letras e um repertório disponível em plataformas musicais.
Por que o EP Viagem à Lua utiliza 125 Hz?
O número 125 foi inspirado no nível associado ao desejo no Mapa da Consciência de David R. Hawkins. A utilização de 125 Hz pela Banda Nami é uma interpretação artística dessa referência espiritual, e não uma equivalência científica entre emoções e frequências sonoras.
A inteligência artificial está criando um novo mercado para a música — e as editoras independentes querem definir as regras antes que ele se consolide.
As organizações IMPEL e IMPF, que representam editoras musicais independentes, apresentaram em 30 de setembro um conjunto de sete princípios para o licenciamento de músicas por sistemas de IA generativa. O argumento central é simples: se músicas, letras e melodias ajudam a treinar e alimentar modelos de inteligência artificial, seus autores e titulares precisam participar do valor criado.
A composição não pode valer menos
Um dos pontos mais importantes da proposta é a divisão entre dois direitos diferentes existentes numa música: a gravação, ou master, e a composição, que envolve letra e melodia.
IMPEL e IMPF defendem que, no licenciamento para IA, a composição seja valorizada pelo menos no mesmo nível da gravação, salvo situações específicas que justifiquem outra divisão.
Para as entidades, levar automaticamente para a inteligência artificial as antigas divisões econômicas da indústria fonográfica poderia repetir desequilíbrios já discutidos durante décadas no mercado de streaming.
As 7 regras propostas
O framework estabelece que:
- músicas e composições precisam receber uma remuneração compatível com seu valor;
- a divisão entre direitos de gravação e publicação musical deve ser equilibrada;
- pagamentos por uso anterior, treinamento, outputs e usos futuros precisam ser separados;
- taxas, descontos e cálculos de receita devem ser transparentes;
- cada licença deve definir exatamente quais usos da obra estão autorizados;
- sistemas de atribuição e rastreamento precisam permitir identificar obras utilizadas pela IA;
- usos comerciais posteriores de músicas geradas por IA também devem gerar remuneração quando forem baseados em obras utilizadas no treinamento.
O problema do rastreamento
Esse último ponto depende de uma das questões técnicas mais difíceis da música generativa: descobrir qual obra participou do treinamento de um modelo e quanto ela contribuiu para determinado resultado.
IMPEL e IMPF afirmam estar testando tecnologias de atribuição capazes de identificar e rastrear obras durante treinamento, geração e output de sistemas de IA. Um dos experimentos já divulgados envolve a empresa de tecnologia Sureel AI.
Sem esse tipo de infraestrutura, calcular royalties individualmente pode se tornar extremamente difícil.
Não é uma proposta contra a IA
As organizações deixam claro que não pretendem bloquear a tecnologia. Elas afirmam apoiar inovação, experimentação responsável e acordos com empresas de IA — desde que existam regras claras de remuneração e transparência.
Essa discussão também está acontecendo em outras partes da indústria criativa. A CISAC, que reúne sociedades de autores ao redor do mundo, vem defendendo três princípios semelhantes para inteligência artificial: autorização, remuneração e transparência.
A questão começa, portanto, a mudar de forma.
Já não é apenas “a IA pode usar música?”.
A pergunta que deve dominar os próximos anos será:
quando a IA usar música para aprender, criar e gerar receita, como esse dinheiro volta para quem criou a obra original?
Essa resposta pode definir boa parte da economia da música na era da inteligência artificial.
Fontes utilizadas no copydesk: Music Business Worldwide como fonte principal, comunicado oficial de IMPF/IMPEL, Music Week, Digital Music News e documentação da CISAC. A fonte primária confirma que o framework foi anunciado em 30 de setembro de 2026 e que o princípio central é valorizar adequadamente a composição dentro dos novos modelos de licenciamento.
Um dos produtores mais influentes da história do hip-hop já está usando inteligência artificial dentro do estúdio.
Dr. Dre afirmou que não considera a IA uma ameaça à música e comparou a resistência atual à tecnologia com a desconfiança que cercou, décadas atrás, a chegada dos sintetizadores e das baterias eletrônicas.
“É uma nova ferramenta para a criatividade”, declarou o produtor em entrevista ao The New York Times ao lado do empresário Jimmy Iovine, segundo a Billboard.
Dre revelou também que já utiliza IA em seu processo de produção. A ideia, segundo ele, não é simplesmente pedir que uma máquina faça uma música, mas usar a tecnologia para experimentar novas possibilidades a partir de algo que ele próprio criou.
Em outras palavras: humano primeiro, IA depois.
O produtor afirmou que usa a ferramenta para observar o que a inteligência artificial consegue fazer com um material que acabou de produzir. E foi além: disse que está abraçando a tecnologia e quer descobrir até onde ela poderá chegar.
Jimmy Iovine: artistas talentosos poderão fazer discos melhores
Jimmy Iovine, parceiro histórico de Dre e cofundador da Beats, também adotou uma posição claramente favorável.
Para ele, a existência de IA não eliminará música ruim — porque música ruim sempre existiu. Mas produtores e artistas talentosos poderão usar essas novas ferramentas para criar trabalhos melhores.
A dupla conhece bem esse tipo de transformação tecnológica. Dre e Iovine criaram a Beats Electronics e a Beats Music, negócios vendidos à Apple em 2014 por mais de US$ 3 bilhões.
A discussão já mudou
A questão que começa a dominar a indústria talvez já não seja simplesmente “usar ou não usar IA?”, mas como ela será usada, identificada e remunerada.
Em julho de 2026, IFPI, RIAA, Grammy Awards, SAG-AFTRA e outras organizações anunciaram uma proposta internacional de identificação das gravações que separa duas categorias: “AI-Generated”, para músicas cuja parte criativa principal foi produzida por IA, e “AI-Assisted”, para obras essencialmente humanas que utilizaram IA em determinados elementos.
A própria Apple já acrescentou à especificação técnica do Apple Music campos de transparência para informar quando IA foi utilizada de maneira relevante em gravações, composições, artes ou videoclipes.
Ao mesmo tempo, a discussão sobre direitos autorais continua aberta. Gravadoras, músicos e empresas de tecnologia negociam quem pode autorizar o treinamento de modelos, quem recebe e como artistas devem ser creditados e remunerados. Alguns acordos de licenciamento já começam a substituir a fase inicial de confronto judicial por modelos comerciais envolvendo catálogos e ferramentas de IA.
Ferramenta ou substituição?
A declaração de Dr. Dre toca justamente no ponto central dessa nova fase.
Baterias eletrônicas não eliminaram bateristas. Sintetizadores não acabaram com instrumentos acústicos. Computadores não acabaram com produtores musicais.
Eles mudaram quem podia produzir, quanto custava produzir e quais sons podiam existir.
A inteligência artificial pode representar uma transformação ainda maior.
A diferença estará na maneira como artistas e produtores decidirem utilizá-la — e nas regras que a indústria estabelecer para garantir autoria, consentimento, crédito e remuneração.
Para Dr. Dre, pelo menos, a escolha já foi feita:
a IA entrou no estúdio.
Universal, Sony, Warner e selos independentes propõem novas regras para definir quando uma música criada com inteligência artificial poderá aparecer nos rankings oficiais.
As maiores gravadoras do mundo querem estabelecer uma fronteira entre a música produzida com auxílio da inteligência artificial e as gravações criadas quase inteiramente por máquinas.
Universal Music Group, Sony Music e Warner Music Group se uniram a empresas como BMG, Concord, Believe, HYBE, Glassnote e Mom+Pop para apresentar princípios globais de elegibilidade para músicas desenvolvidas com IA generativa.
Pela proposta, uma gravação que utilize inteligência artificial somente poderia aparecer nas paradas oficiais se fosse “substancialmente criada por humanos”. O sistema utilizado também precisaria ser legal, autorizado e treinado com materiais devidamente licenciados.
IA não está proibida
A proposta não representa uma proibição completa da inteligência artificial na música.
Ferramentas generativas poderiam continuar sendo utilizadas na composição, na produção e na criação de elementos sonoros. O ponto central seria preservar uma participação humana reconhecível no processo artístico.
O problema é que a expressão “substancialmente criada por humanos” ainda não possui uma definição objetiva. Não está claro, por exemplo, quanto de uma voz, instrumento, arranjo ou produção poderia ser gerado antes de uma faixa deixar de ser considerada uma criação humana.
Também não há, por enquanto, confirmação de que organizações como Billboard ou Official Charts adotarão as regras sugeridas pelas gravadoras. Trata-se de uma proposta apresentada à indústria, não de uma norma mundial já em vigor.
Música gerada ou assistida por IA?
O movimento complementa outro projeto anunciado por organizações como IFPI, RIAA, Grammy Awards, SAG-AFTRA e associações de gravadoras independentes.
O sistema propõe dois tipos de identificação:
AI-Generated: quando a IA produziu a totalidade ou a parte principal dos elementos criativos, como a voz principal, os instrumentos centrais ou toda a música a partir de comandos.
AI-Assisted: quando a obra foi criada principalmente por pessoas, mas utilizou IA generativa em determinados elementos.
Pelas regras sugeridas para os rankings, gravações classificadas como totalmente geradas por IA não seriam elegíveis. Já as músicas assistidas por IA poderiam participar, desde que cumprissem as exigências de autoria, licenciamento, transparência e legalidade.
O problema dos streams artificiais
A preocupação das gravadoras não está apenas na autoria.
As novas regras também procuram combater músicas produzidas em grande escala para manipular plataformas, gerar reproduções automáticas e retirar dinheiro do sistema de royalties.
Em julho de 2026, a Deezer informou que recebia aproximadamente 90 mil músicas geradas por IA por dia, o equivalente a mais da metade dos novos arquivos enviados à plataforma. Apesar do volume, esse conteúdo representa entre 1% e 3% das reproduções da empresa. Segundo a Deezer, até 85% dos streams registrados em faixas totalmente geradas por IA podem ser fraudulentos e são retirados do cálculo de royalties.
Uma pesquisa encomendada pela plataforma também mostrou que 80% dos entrevistados defendem a identificação das músicas totalmente geradas por IA. Outros 52% acreditam que essas gravações não deveriam disputar as mesmas paradas das músicas feitas por artistas humanos.
O verdadeiro debate
A discussão já não é simplesmente aceitar ou rejeitar a inteligência artificial.
As próprias grandes gravadoras estão fechando acordos com empresas de IA que utilizam catálogos licenciados. Universal, Sony e Warner, por exemplo, assinaram contratos com a plataforma KLAY, que afirma treinar seu modelo musical exclusivamente com obras autorizadas.
A disputa real envolve autoria, consentimento, licenciamento e transparência.
A IA já faz parte do processo criativo. O desafio será separar a tecnologia usada como instrumento artístico das fábricas automatizadas de conteúdo criadas para ocupar catálogos, manipular rankings e capturar royalties.
A pergunta que a indústria precisará responder agora é mais complexa: onde termina a ferramenta e começa a substituição do artista?
Fontes principais: The Verge, Sony Music, IFPI, RIAA, Deezer e Music Business Worldwide.
